Análisis diario: Los juegos del hambre: En llamas

Los juegos del hambre: En llamas (The hunger games: Catching fire) es el segundo largometraje de la saga Los juegos del hambre de la escritora estadounidense Suzanne Collins. La dirección quedó a manos de Francis Lawrence (Soy leyenda), luego de que Gary Ross rechazara la oferta. Vuelven todos los actores principales de la anterior entrega con las incorporaciones de Sam Claflin (Piratas del Caribe: En mareas misteriosas), Philip Seymour Hoffman (La duda), Jena Malone (Sucker Punch) y Jeffrey Wright (Syriana).

Cartel promocional de la película

Aunque parezca imposible, Katniss (Jennifer Lawrence) ha sobrevivido a los Juegos del Hambre con su compañero Peeta (Josh Hutcherson). Sin embargo, al Capitolio no le gustó nada el truco de las bayas, y Katniss se ha convertido en el nuevo objetivo del Capitolio, lo que provocará algo que ni siquiera puede imaginar. Por otro lado, en su propia casa también tiene problemas. Peeta lleva meses sin hablarle, y Gale (Liam Hemsworth) se comporta de una forma muy distante. Por si fuera poco, Katniss deberá volver a la arena en una edición especial de los Juegos del Hambre llamada Vasallaje de los Veinticinco que se celebran cada 25 años desde el inicio de los Juegos. Aún así, eso no evitará que ellos también sean obligados a formar parte de algo que cambiará para siempre el país de Panem.

Vuelve la saga con más fuerza que nunca y ya están preparando las dos partes de Sinsajo, las aventuras de la chica en llamas nos encandilan una vez más, para mi gusto este es el mejor libro de la saga, la película es inmejorable, 100% de fidelidad al libro, algo que se agradece.

Fotograma de la película con Stanley Tucci y Jenifer Lawrence

Algo se cuece en el capitolio, los campeones vuelven al ruedo, estamos ante un mundo lleno de conspiraciones, solo tienes que saber de que parte estás. Por fin vemos la chispa necesaria que hace falta para llevar a cabo una revolución, una chispa fortuita pero que desencadena todo un incendio.

Una de las características de esta saga es que roza el sobresaliente en todos sus aspectos. Grandes actuaciones por parte de todos, incluso también de los nuevos; una dirección excelente, en este caso mejorando la anterior; un guión preciso y fiel, también mejor que el anterior; una BSO que iguala en grandeza a la primera y un equipo de maquillaje, peluquería y vestuario que se se merece algún que otro premio para valorar su increíble trabajo. En esta película la arena te deja sin palabras, la mejor, un lugar que no te deja descansar e ir a por todas en todo momento.

Fotograma  de la película con Jennifer Lawrence, Elisabeth Banks y Josh Hutcherson

Para terminar decir que es una película que vale la pena disfrutar en pantalla grande, corrige los errores de la primera y se convierte en la película perfecta, fiel al libro y atractiva para el cine. No lo dudéis y sacad vuestra entrada ya, no os arrepentiréis.

Análisis diario: Lincoln

Lincoln es un drama histórico basado en hechos reales, la película esta dirigida por Steven Spielberg (War Horse) y narra los ultimos meses de mandato del presidente Abraham Lincoln. Entre sus protagonistas podemos observar a Daniel Day-Lewis (Nine), Sally Field (The Amazing Spider-man), Joseph Gordon Levitt (Don John) y Tommy Lee Jones (Men in Black III).

Cartel promocional del filme

Lincoln habla de los últimos meses de mandato del presidente de los Estados Unidos, Abraham Lincoln. La historia sucede durante la guerra de secesión americana, durante la cual se luchaba por la abolición de la esclavitud. Lincoln pretende abolir la esclavitud por medio de la aprobación de la Decimitercera Enmienda, pero para que sea posible primero debe convencer a la cámara del consejo para que vote a favor. La historia narrara los actos y las estratagemas que el presidente realiza para conseguir la abolición de la esclavitud, demostrando así que el fin justifica los medios.

Fotograma de la película

La película fue nominada a 12 Oscars en el año 2012, incluyendo los de mejor actor (Daniel Day Lewis), mejor director y mejor guión adaptado (Steven Spielberg). Sin embargo en la ceremonia de los Oscars se le atribuyó el titulo de "El fracaso de los Oscars" dado que de todos y cada uno de los Oscars a los que había sido nominado solo consiguió el Oscar al mejor actor por Daniel Day Lewis.

La película se encuentra muy bien adapatada a la realidad de la época, combinando con buenos exteriores y unos dialogos muy bien cuidados hacen de la ilusión casi completa. Los temas mas importantes de la época eran el honor, la familia y como no el racismo. Lo que ralmente es destacable en la película es la actuación del gran Daniel Day Lewis, con una interpretación tan exquisita y una caracterización tan lograda que casi nos creemos que realmente se trata del mismisimo Abraham Lincoln.

Daniel Day Lewis caracterizado como Lincoln

Cabe decir que la película fue muy bien recibida en las salas de cine de todo el mundo, pero sobre todo en Estados Unidos, donde la figura del presidente Abe Lincoln es un símbolo de esperanza y libertad. Sin embargo si hay que destacar un elemento negativo del filme es que su ritmo es bastante lento, dando la sensación de pesadez que afecta tan negativamente a la pelicula, si es cierto que la trama resulta interesante y las anecdotas que cuenta son bastante inspiradoras, pero la película es caracterizada como larga por sus interminables dialogos que no ayudan a pasar los 144 minutos de los que cuenta el film.

Plano general de Abraham Lincoln (Daniel Day Lewis)

Y sin mas demora aqui concluye mi modesto análisis. El filme es bastante recomendable si te gusta la historia de América, aunque no hay que exigir a la película que te entretenga mucho ya que hay que dedicarle una fuerte atención a la trama para disfrutarla debidamente.

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Análisis diario: La vida de Brian

La vida de Brian conocida internacionalmente como Life of Brian es una película inglesa dirigida por Terry Jones (Los caballeros de la mesa cuadrada, El sentido de la vida) con guion de los Monty Python y protagonizada por ellos mismos: John Cleese (Un pez llamado Wanda), Graham Chapman (Los caballeros de la mesa cuadrada), Terry Gilliam (Se armó la gorda), Michael Palin (Un pez llamado Wanda) y Eric Idle (Las aventuras del barón Munchausen).

Cartel promocional de la película.

Nos encontramos con, personalmente, una de las mejores películas cómicas de la historia.
La película está protagonizada por Brian, el cual nace en un pesebre de Belén el mismo día que Jesucristo. Un cúmulo de desgraciados y tronchantes equívocos le harán llevar una vida paralela a la del verdadero Hijo de Dios. Sus pocas luces y el ambiente de decadencia y caos absoluto en que se haya sumergida la Galilea de aquellos días, le harán vivir en manos de su madre, de una feminista revolucionaria y del mismísimo Poncio Pilatos, su propia versión del calvario.

De izquierda a derecha, John Cleese, Michael Palin y Graham Chapman.

Delirante y divertidísima comedia que relata, a golpe de carcajada, la vida de un desastre de hombre, contemporáneo de Jesucristo, que es confundido por el pueblo con un mesías. Que nadie se confunda La vida de Brian no es una amalgama de escenas absurdas que hacen reir; es una brillante sátira que desborda con un humor maravillosamente inteligente. Obra capital de los geniales Monty Python, su gozosa visión está llena de gags memorables, que la encumbran como una de las mejores parodias de la historia del cine.

Fotograma de la película

Esta película tiene algunos dialogos sensacionales, tales como el que mantienen la propia madre de Brian con los Reyes Magos.

Reyes Magos

Amén.

Madre de Brian

¿Quiénes sois?

Reyes Magos

Somos los Reyes Magos.

Madre de Brian

¿Qué?

Reyes Magos

Somos los Reyes Magos.

Madre de Brian

¿Y qué hacéis dando vueltas alrededor de un pesebre a las 2 de la mañana?

¡Pues menuda mierda de magia!

Este es uno de los claros ejemplos de dialogo que podéis encontrar en esta gran película. Poco más queda por comentar, sólo que la disfrutéis.

Fotograma de la película

NOTA: Aquí tenéis un link dónde ver la película.

Análisis diario: Los juegos del hambre

Los juegos del hambre (The hunger games) es una película estadounidense de ciencia-ficción, acción y drama. Dirigida por Gary Ross (Seabiscuit) y basada en la novela best-seller del mismo nombre de Suzanne Collins. Está protagonizada por Jennifer Lawrence (X-Men Primera Generación), Josh Hutcherson (Viaje al centro de la tierra), Liam Hemsworth (La última canción), Woody Harrelson (Ahora me ves), Elisabeth Banks (Saga Spiderman), Alexander Ludwig (Los seis signos de la luz), Stanley Tucci (Jack el cazagigantes), Toby Jones (Capitán América: El primer vengador), Lenny Kravitz (Precious), Wes Bentley (American Beauty) y Donald Sutherland (Orgullo y prejuicio).

Cartel promocional de la película

Un pasado de guerras ha dejado los 12 distritos que dividen el país bajo el poder tiránico del Capitolio. Sin libertad y en la pobreza, nadie puede salir de los límites de sus distritos. Sólo una chica de 16 años, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence), osa desafiar las normas para conseguir comida para mantener a su familia. Como ejemplo de su autoritarismo y prepotencia, el Capitolio obliga a cada distrito a enviar a un chico y a una chica a un evento televisivo anual llamado Los juegos del hambre.

El terreno hostil, las reglas y la audiencia pueden variar de una edición de los juegos a otra, pero hay una constante: deben luchar a muerte entre ellos hasta que quede un solo superviviente. UNO SOLO.

Cuando su hermana pequeña es elegida para los juegos, Katniss no duda en ocupar su lugar, decidida a demostrar con su actitud firme y decidida que aún en las situaciones más desesperadas hay lugar para el amor y el respeto. Hasta el final, intentará elegir la amistad en vez la traición, imponer sus propios principios antes que los deseos de los tiranos.

Es la hora, ya no hay vuelta atrás, los juegos van a comenzar. Katniss debe salir a la arena y luchar por sobrevivir.

Elisabeth Banks y Jennifer Lawrence en un fotograma de la película

Antes de comenzar, decir que he leído la trilogía completa y soy muy fan de ella. Dicho esto comentar que la película es una crítica en sí, a los reality shows, a la política además de tratar temas como la feminidad o la religión. La película es ficción pero a diario hay programas en televisión en los que vemos como las personas se destruyen unas a otras, lo malo no es eso, lo malo es que los vemos, vemos hasta donde pueden llegar los límites del ser humano, los cuales como ya dijo Einstein son infinitos. Al Capitolio no hay quien le tosa, nadie que les intimide ni lo mas mínimo, nadie a quien temer pero ya va siendo hora de que el pueblo se una contra aquellos que les someten y ya no estoy hablando de la película. La protagonista es una chica, algo que en Hollywood cuesta ver dado que son más dados al típico guaperas o cachas. 

El argumento es muy parecido a todos los de las novelas juveniles actuales, un adolescente entre dos amores que te  mantendrá en vilo toda la saga hasta saber su decisión final, solo cambia el escenario, el cual es muy interesante.

Lenny Kravitz, Woody Harrelson y Josh Hutcherson en un fotograma

de la película

A la hora de las actuaciones, Jennifer Lawrence, ganadora en 2013 del Óscar por El lado bueno de las cosas, interpreta a Katniss de la misma forma como nos la imaginábamos en el libro,  inmejorable; todo el elenco de la película roza la perfección, quizás resaltar a Stanley Tucci, actor que no me gustaba cuando yo era pequeño por la película Beethoven y que ahora me encanta.

La adaptación es fiel al 90%, solo quita aquellos detalles que no cambian en nada el devenir del argumento. Lo mas difícil de plasmar era el vestuario, el maquillaje y los peinados que describían en la novela, sobresaliente es poco ante lo visto en el filme. La BSO mantiene la tensión necesaria para cada escena, es perfecta, sobretodo el silbido del sinsajo, el cual no paro de imitar cuando tengo la más mínima ocasión.

Mi nota no es la máxima por un par de detalles que no me convencieron, el movimiento de la cámara que usa Gary Ross y la violencia suavizada, por lo demás perfecta. Esto es todo y recordad: Que la suerte esté siempre de vuestra parte.

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Análisis diario: Argo

Argo es un thriller estadounidense basada en hechos reales y dirigida por Ben Affleck (Paycheck, Pearl Harbour), ganadora del Oscar a la mejor pelicula en el año 2012. La pelicula está protagonizada por el mismo director, Bryan Cranston (serie Breaking Bad), John Goodman (Monster University) y Alan Arkin (Stand Up Guys).

Cartel promocional del filme

Nos hallamos en el año 1979, Irán, la embajada de los E.E.U.U. es asaltada y ocupada por seguidores del Ayatolá Jomeini para exigir la extracción del Sha de Persa. Los miembros de la CIA junto al gonierno canadiense colaboran para crear una forma de rescatar a unos fugitivos que se ospedan en la residencia del embajador de Canada. De esta forma al agente de la CIA Tony Mendez (Affleck) elabora un sofisticado plan, con ayuda del maquillador John Chambers (Goodman) y del productor Lester Siegel (Arkin), que consiste en producir una pelicula de ciencia ficción, Argo, que necesita ambientes exoticos como Irán para que así los refugiados puedan a bandonar el país como miembros del equipo de rodaje.

Secuencia de la pelicula con Tony Mendez (Affleck)
 y Jack O´Donnell (Cranston)

En los Oscars de 2012 esta pelicula ganó los Oscars a la mejor pelicula, mejor guión adaptado y mejor montaje, además de haber sido nominada al mejor sonido, mejor banda sonora (Alexandre Desplat), mejor edición de sonido y mejor actor de reparto (Arkin), sin exito evidentemente.
La banda sonora original, compuesta por Alexandre Desplat, no es que sea de las mejores bandas sonoras que se puedan escuchar, pero consigue darle ese toque de constante tensión que la pelicula necesita para funcionar.

Alexandre Desplat

Para concluir con mi modesto analisis cabe decir que esta es una de las mejores peliculas de suspense que una persona puede deleitar, es apasionante, constante y nos deja ahondar en ese mundillo que todos conocemos, Hollywood. Sin lugar a dudas "El Canto del Cisne" de Ben Affleck como director.

Fotografía de Ben Affleck dirigiendo su filme, Argo 

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Análisis diario: El juego de Ender

El juego de Ender (Ender`s game) es una película estadounidense de ciencia-ficción basada en la novela homónima de Orson Scott Card. Está escrita y dirigida por Gavin Hood (X-Men orígenes: Lobezno) y los actores principales son Asa Butterfield (La invención de Hugo), en el papel de Andrew "Ender" Wiggin, un chico con talento inusual enviado a una avanzada escuela militar en el espacio para prepararse en la lucha contra las invasiones alienígenas; Harrison Ford (Saga Star Wars, Saga Indiana Jones), Ben Kingsley (Shutter Island), Viola Davis (Criadas y señoras), Hailee Steinfeld (Valor de ley), Abigail Breslin (La isla de Nim) y Moisés Arias (Los reyes del verano). En noviembre de 2010, Card aseguró que el guión de la película fusionaría tanto El juego de Ender como su novela paralela, La sombra de Ender, centrándose en los aspectos importantes de cada una.

Cartel promocional de la película

Después de que una raza alienígena llamados los insectores atacan la Tierra, la Flota Internacional se prepara para un próximo ataque formando a jóvenes para que sean quienes gobiernen la Flota en el futuro. Ender Wiggin, un chico tímido pero muy brillante, deja la escuela en la Tierra para unirse y asistir a la Escuela de Batalla en el espacio.

Esto es sólo un pequeño resumen del argumento pero la película abarca mucho más que el simple hecho de los niños soldados, ¿que es más importante, ganar el juego o cuidar la integridad de los jóvenes?

De izquierda a derecha, Ben Kingsley, Harrison Ford y
Asa Butterfield.

La película lleva en marcha desde hace unos diez años pero la falta de buenos guiones y de productores que confiaran en ella ha ido retrasando su rodaje y por consiguiente su estreno hasta este año. Parece que el tiempo ha logrado que todo encaje a la perfección y resultase un filme que al menos a mí, sorprende, sorprende porque no es la típica película de ciencia-ficción que se dedica a matar extraterrestres, se centra mas en marcar los pasos del protagonista, como tiene que madurar en poco tiempo, como tiene que convertirse en líder asumiendo demasiada responsabilidad para un niño. Una cita de la película decía: "Cuando conozco a mi enemigo lo suficientemente bien como para derrotarle, le quiero. Y entonces, cuando le quiero, le destruyo."  Estas palabras solo nos indican algo que ya deberíamos saber, que nuestro enemigo, al que tanto queremos destruir, también existe, también piensa y también ama, por eso no podemos tomarnos a la ligera eso de la guerra. Todo esto siempre desde el punto de vista de un niño, ya que eso es Ender, niño antes que soldado.

Ender entrando al campo de entrenamiento.

Asa Butterfield está genial como Ender, mostrando siempre sus debilidades y sus fortalezas; a Harrison Ford le toca ser el cascarrabias de la película, siempre cumple y además estamos deseando verle en la nueva película de Star Wars; Viola Davis ganó cierto caché después de su nominación al Óscar pero no le pega mucho el papel y se la ve un tanto apagada; Ben Kingsley parece que interpreta siempre al mismo personaje en sus últimas películas, solo cambia algún detallito; Hailee Steinfeld y Abigail Breslin están bien como la compañera de escuela y la hermana mayor de Ender, respectivamente, y por último, y no por ello menos importante, el que más me gustó fue Moisés Arias, ese pequeño pesado que salía en Hannah Montana se va haciendo un nombre, sale poco pero cuando sale se nota y eso personalmente me gusta.

Gavin Hood hace suyo el guión y consigue plasmar todo aquello importante de la novela sin que llegue a ser pesado; la BSO no va a llegar a ser legendaria como otras pero es una pieza fundamental que se hace notar más en las escenas de batalla, unas batallas que están muy bien logradas digitalmente, sobretodo la final; el escenario del campo de entrenamiento es una joya en la que seguro todos querríamos estar alguna vez (imagen superior), es como un paintball sin gravedad, vamos una pasada; los trajes de los equipos en la película son bastantes fieles a los vistos en los dibujos de la novela y crean una estética bastante espectacular.

Fotograma del filme.

Después de todo esto, tan solo decir que es una gran película a pesar de haber tardado en salir, cosa que creo que al final ha terminado favoreciéndole, ha sido una gran sorpresa para mí y espero que lleguen a hacer más. Los que quieran verla todavía pueden ir al cine, les aseguro que no será desperdiciar el dinero.

Análisis diario: La Roca

La Roca (The Rock) es una película dirigida por Michael Bay (Armageddon, Pearl Harbor) con guion de David Weisberg, Douglas S. Cook y Mark Rosner (Blue Bloods) en 1996. Está protagonizada por Nicolas Cage (Living Las Vegas, The Weather Man), Sean Connery (Saga 007) y Ed Harris (Abyss, el show de Truman).

Cartel promocional del filme

Nos encontramos en frente a una película de acción pura y dura, aunque con algo que suele faltar en este tipo de películas, un cuidado tratamiento de los personajes. Puesto que el que señalariamos como villano del filme, Frank Hummel (Ed Harris), no se mueve por el simple hecho de matar o de vengarse, sino que lucha por una serie de derechos de los marines estadounidenses, derechos que se pueden calificar como justos.

Francis Hummel (Ed Harris) al comienzo de la película

El argumento trata como una serie de ex-marines norteamericanos, encabezados por el General Francis Hummel (Ed Harris), deciden hacerse con una serie de recipientes que contienen un peligroso agente nervioso (conocido como Vx), para poco después tomar la famosa isla de Alcatraz (luego comentaré alguna que otra curiosidad de ella) y colocar una serie de misiles Vx apuntando hacía la Bahía de San Francisco. Todo esto para pedir la suma de cien millones de dólares al gobierno para las familias de los heridos y fallecidos en acto de combate.
Entonces el gobierno norteamericano decide contratar a un agente de armas químicas del FBI, Stanley Goodspeed (Nicolas Cage) y a la única persona capaz de escapar de Alcatraz, John Mason (Sean Connery), un ex-espía británico (sí, no es la primera vez que interpreta ese papel) que había sido capturado y encarcelado por robar documentos top secret al gobierno. Todos ellos se úniran para intentar desaptivar los misiles de Hummel y salvar a millones de personas.

Mason y Goodspeed manipulando el Vx

En los Óscars de 1997, la película sólo recibió una nominación, la de mejor Sonido para Kevin O'Connell (Apocalipto, Top Gun, Memorias de una geisha). Aunque no consiguió llevarse el galardón, pues fue a parar a Walter Murch por El paciente inglés, la cual se llevó un total de nueve estatuillas, entre ellas Mejor película, mejor director para Minghella (El talento de Mr. Ripley) y mejor actriz secundaria para Juliette Binoche (Chocolat), entre otras seis por aspectos técnicos.
Las estatuillas a mejor actor y actriz fueron a parar a Geoffrey Rush por Shine, y a la genial Frances McDormand por el magnifico filme de los hermanos Coen, Fargo.

Fotograma de El paciente inglés con
Ralph Fiennes en primer plano

Un aspecto que considero clave en esta película es la genial banda sonora de Hans Zimmer, compositor de grandes BSO de peliculas como Gladiator, El príncipe de Egipto o El rey león, por la cual se llevó su Óscar en 1994. Una BSO que acompaña durante toda la película y que aporta grandes momentos de tensión y epicidad. Además añadir que la película no sería la misma sin ésta.

Fotografía de Hans Zimmer

Para concluir este escueto análisis simplemente me gustaría deciros que considero esta película un claro ejemplo de como debería ser toda película de acción, dejandose de malos "porque el mundo los ha hecho así" o capos de la droga/armas, es decir, un villano con el que hacernos dudar que bando es el bueno y cual el malo, uno que consiga hacernos pensar.

Fotograma de la película

NOTA: Aquí podréis ver esta película

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Análisis diario: El camino de vuelta

El camino de vuelta (The way, way back) es una película estadounidense dirigida y escrita en 2013 por Nat Faxon y Jim Rash (Ganadores del Óscar por el guión de Los descendientes). Está protagonizada por Liam James (2012), Steve Carell (Virgen a los 40), Toni Collette (Pequeña Miss Sunshine), Sam Rockwell (Ironman 2), Allison Janney (Juno), Annasophia Robb (Soul Surfer), Maya Rudolph (Niños grandes), Rob Corddry (Memorias de un zombie adolescente), Amanda Peet (Syriana) y por último, los dos directores que también actúan en la película.

Cartel promocional de la película

El argumento trata sobre Duncan (Liam James), un adolescente de 14 años que, en el transcurso de un verano, tratará de encontrar la fuerza que precisa para poder encontrarse a sí mismo, y de paso, enfrentarse a su padrastro (Steve Carell), que bebe, consume drogas y se va de juerga con otras mujeres, y para volver a relacionarse con su madre (Toni Collette).

Mi primera impresión al verla fue que a pesar de lo familiar de su argumento, resulta encantadora, poniendo afortunadamente poco énfasis en las necesidades románticas de Duncan y permitiendo que brote el melodrama familiar y que éste se resuelva sin una solución facilona.

Liam James y Sam Rockwell en el parque acuático

En lo que se refiere a las actuaciones, Liam James consigue una lograda interpretación, atendiendo a todos esos detalles de soledad que puede mostrar un chico de su edad; Steve Carell intenta dar una imagen de tipo duro durante toda la película pero a mí no me convenció, sigo viéndole como aquel simpático vendedor de electrónica en Virgen a los 40; Toni Collette está como siempre, excelente, cumpliendo con aquello que precisa el papel, nada mas ni nada menos, lo justo; los secundarios de la película están, que es lo importante, porque los personajes no tienen mayor dificultad; para mí el que más borda su personaje es Sam Rockwell, el de un tipo rebelde sin ataduras ni preocupaciones que crecerá con Duncan, es el más simpático de largo de todos y me encantan esos diálogos dinámicos que tiene en el parque, su casa, ya que el parque acuático será el personaje más importante de todo el filme, con todos sus toboganes, sus visitantes y sobre todo, su personal.

En general, la película en todos sus aspectos es aceptable, mantiene ese equilibrio entre fotografía, música, guión, etc. que hace que sea perfecta para pasar un buen rato.

Liam James en la parte trasera del coche de Steve Carell

El filme enseña y entretiene a partes iguales, hay una evolución en todos los personajes y cada uno encuentra el camino a seguir, ese camino tan difícil de encontrar, tan escondido y oculto como nosotros lo estemos, ya va siendo hora de dejar el pasado y avanzar, porque seguro que el futuro nos deparará algo mejor.

Bueno, espero que os haya gustado este análisis de ésta reciente película. Recordad que podéis seguirnos vía Twitter para estar al tanto de todas las novedades (@CinemaFactible). Además o recuerdo que a la izquierda de este post encontraréis una zona dónde podéis indicarnos si queréis que análicemos alguna película en concreto (la que sea).

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Análisis diario: X-Men (2000)

X-Men es una película de ciencia ficción (o de superhéroes si lo preferís) estrenada en el año 2000, dirigida por Bryan Singer (Los sospechosos habituales) y protagonizada por Hugh Jackman (Prisioneros, Les Miserables), Patrick Stewart (La serie Yo, Claudio), Halle Berry (Swordfish) y Sir Ian Mckellen (El Hobbit) entre otros.

Cartel promocional de X-Men

Hablamos de una película revolucionaria dentro del cine de Ciencia Ficción, que dio lugar al comienzo de una nueva era de lo que hoy en día llamamos adaptaciones de superhéroes del comic (A lo que muchos les gusta llamar el verdadero origen del género superheroico).

Nos hallamos en el año 2000, el comercio de las películas de superhéroes no pasa por su mejor momento, las últimas películas de superheroes que se recuerdan son Superman IV y Batman y Robin. Parece mentira que así fuera como terminaran las sagas que comenzaron con las muy aceptadas por el público Superman (1978) y Batman (1989), el público piensa en el cine de superheroes como un simple genero infantil creado como material de entretenimiento para niños. Sin embargo todo cambia cuando por fin se estrena en cines X-Men, por la mano del genial Bryan Singer, demostrando que una película de superhéroes puede ser oscura y dramática entreteniendo e incluso enganchando a personas de todas las edades.

Fotograma de la película

X-Men nos sitúa en "un futuro no muy lejano" donde la existencia de personas con poderes sobrenaturales es muy real, esto es debido a que el siguiente paso en la evolución de la especie humana (Homo Sapiens) se está haciendo cada vez mas evidente, los mutantes (Homo Superior). Desde el momento en que esto se sabe los humanos tratan a los mutantes con miedo, ira e incluso rechazo, sin embargo hallamos mutantes en dos bandos diferentes: los que piensan que los mutantes deben reinar y subyugar a la especie humana, y aquellos que piensan que tanto los humanos y los mutantes pueden convivir en paz y han jurado proteger a la especie humana de los mutantes diabólicos, estos últimos son los autodenominados X-Men.

Tras esta breve sinopsis, cabe decir que ya había una película de X-Men en marcha antes de que esta viera la luz, iba a estar producida por nada mas ni nada menos que por el mismísimo James Cameron (Avatar, Titanic), sin embargo debido a que este tuvo que dedicarse a otro proyecto que consideró mas importante nunca llegó ni siquiera al acabado del guion. Pocos años mas tarde llegó Bryan Singer dispuesto a adaptar a estos fantásticos personajes que yacían en las paginas de Marvel Comics.

Si hay un actor por el que esta película ha hecho muchísimo ese es Hugh Jackman, un papel por el que el siempre ha demostrado un gran apego y gratitud, demostrándonos como un personaje tan fiero como lo es Lobezno puede hacerse querer tanto por el público. Actor de gran carisma y que realizó un gran trabajo en este film es Ian Mckellen, dando vida a Magneto, el antagonista de la historia, dándole una gran profundidad al villano.

Secuencia de la pelicula (Ian Mckellen como Magneto)

Entre lo que nos falta por citar esta el montaje de la película: siendo practicamente la primera película de superhéroes que nos transmite que sucede en la realidad, los efectos visuales tienen mucho mérito aquí, siendo de una calidad tan grande que en la época pensabas que estaba pasando de verdad. En cuanto a la banda sonora, compuesta por Michael Kamen, no es excesivamente grandiosa, pero acompaña bastante bien a la acción y le da un toque mas que único al ambiente del filme.

El ritmo de la película se lleva bastante bien, es rápido y te atrapa desde un principio, incluso en las escenas de cierta ternura mantiene su rapidez, algo que es bastante digno de admirar en una película.

Secuencia de X-Men con (de izquierda a derecha) Tormenta (Halle Berry),
 Cíclope (James Mardsen) y Jean Grey (Framke Janssen)

Como un mero servidor solo espero que os haya gustado mi modesto análisis, pero es mi deber recordaros que podéis seguirnos en Twitter para que no os perdáis ninguno de las nuevas entradas que surjan de ahora en adelante (@CinemaFactible).

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Análisis diario: Las ventajas de ser un marginado

Las ventajas de ser un marginado (The perks of being a wallflower) es una película de 2012  basada en la novela epistolar del mismo nombre publicada en 1999. Está protagonizada por Logan Lerman (Percy Jackson y el ladrón del rayo), Emma Watson (Saga Harry Potter) y Ezra Miller (Tenemos que hablar de Kevin). Está adaptada y dirigida por Stephen Chbosky, autor del libro.

Cartel de la película

El argumento trata sobre Charlie (Logan Lerman), un joven tímido y marginado, escribe una serie de cartas a una persona sin identificar en las que aborda asuntos como la amistad, los conflictos familiares, las primeras citas, el sexo o las drogas. El protagonista tendrá que afrontar dificultades, al tiempo que lucha por encontrar un grupo de personas con las que pueda encajar y sentirse a gusto.

Fotograma del filme

No se trata de una película más de instituto: aquí hay tacto, sinceridad, criaturas creíbles, verdades como puños y un fenomenal trío protagonista. Lerman está excelente como Charlie, Watson encarna a una chica de ensueño, pero es Ezra Miller quien se roba la película de principio a fin interpretando a un personaje que lo muestra todo sin dejar nada en el tintero. Este drama adolescente es tan oscuro como optimista, tiene un encanto y honestidad contagiosa, el resultado final es una película tan imperfecta como emocionante. Entre tanto joven la actuación de Paul Rudd (Te quiero, tío) no pasa desapercibida, interpreta al profesor de literatura de Charlie, un papel alejado de lo que suele hacer pero parece encontrarse en su salsa. El director-guionista debutante adapta su best-seller con bastante pasión y habilidad. La música es parte fundamental de la trama, por eso hace que la mezcla de canciones de sobra conocidas y originales sea genial.

Fotograma del filme

Definitivamente el filme nos demuestra con un jarro de agua fría que el tiempo es de lo poco que no podemos recuperar jamás, que no podemos poner la vida de todos por delante de la nuestra y creer que eso cuenta como amor, ya que nadie tiene dominio sobre el amor pero el amor domina todas las cosas, todo cambia, los amigos se van y la vida no se detiene por nadie, que no aceptemos el amor que creemos merecer y si el que realmente merecemos. En ese preciso momento os juro que seréis infinitos.

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Análisis diario: Hasta que llegó su hora

Hasta que llegó su hora es una película italiana de 1968, conocida en su idioma original como C'era una volta il West que se encuentra dentro de la conocida como Once upon a time Trilogy (Hasta que llegó su hora, ¡Agáchate, maldito! y Érase una vez en América).

Está dirigida por Sergio Leone (Trilogía del dolar) con guion de Dario Argento (Suspiria), Bernardo Bertolucci (Novecento, El último emperador) y del propio Leone. Como actores destacar a Charles Bronson (Doce del patíbulo), Henry Fonda (12 hombres sin piedad), Jason Robards (Philadelphia) y a la hermosísima Claudia Cardinale (El artista y la modelo). 

Cartel promocional de la película

Nos encontramos frente a una película clave de este subgénero que es el spaguetti western (aunque sería mejor denominar este filme como un western crepuscular), subgénero que personalmente creo que ha llegado a superar al propio género del western, y una obra maestra del experimentado director italiano Sergio Leone (conocido por sus duras prácticas al grabar).

Estamos en 1968 cuando después de triunfar con Un puñado de dólares (1964), La muerte tenía un precio (1965) y El bueno, el feo y el malo (1966), Sergio Leone quiere cambiar de género y hacer una película sobre mafiosos, para hacerla quiso que fuera una producción norteamericana, dónde la productora sería la Paramount. Pero esta productora le puso una condición, hacer una última película de western. Al principio Leone no estuvo muy conforme con esta condición pero poco a poco vio viable un buen proyecto de trilogía. De ahí nació Once upon a time Trilogy. Comentar como curiosidad que Leone al final acabó haciendo su película de mafiosos, se trata ni más ni menos que de la tercera y última película de la trilogía, Érase una vez en América (1984) protagonizada por Robert de Niro y James Woods.

Fotograma de Érase una vez en América (1984)

En este caso decide cambiar de protagonista, en la Trilogía del dólar fue Clint Eastwood, y darle la oportunidad a Charles Bronson (que en esa época ya era un reputado actor) y al inigualable Henry Fonda de coprotagonizar la que sería la primera película de esta extraña trilogía (digo extraña porque no sé trata de una trilogía correlativa, como pudo ser la del dólar, es decir, los personajes y la época cambia según la película).

Fotografía del rodaje de Hasta que llegó su hora, con
(de izquierda a derecha) Henry Fonda, Claudia Cardinale,
Sergio Leone, Charles Bronson y Jason Robards

La película en un comienzo tiene varios puntos de acción, los cuales acabarán por unirse en un único e impactante final. Todo comienza con Brett McBain (Frank Wolff) contratando a una prostituta para que sea su esposa, esa prostituta es Jill (Claudia Cardinale), ésta accederá y emprenderá un viaje desde Nueva Orleans hasta la casa de McBain. Por otra parte, encontramos a un hombre muy callado llamado Armónica (Charles Bronson), llamado así por que siempre lleva una armónica, que va en busca de Frank (Henry Fonda), un despiadado pistolero que trabaja para Morton (Gabriele Ferzetti), un extraño millonario cuyo sueño es ver el mar, el cual busca controlar la tierra de McBain, debido a que el ferrocarril pasará por allí y es el único sitio de la zona donde hay agua. Morton mandará a Frank y a sus secuaces a acabar con McBain, lo que ellos harán sin problemas. Pero al único que se la acusará por la muerte de McBain será a Cheyenne (Jason Robards), quién es amigo de Armónica. Al final tanto Cheyenne como Armónica se unirán e intentarán ayudar a Jill a conservar sus terrenos, y a vengarse de Frank.

Gran primer plano del rostro de Armónica (Charles Bronson)

En cuanto al argumento decir que Hasta que llegó su hora es un resumen total de un género, es decir, tenemos el ferrocarril, los pistoleros, los bandidos, el vengador, los pioneros y la mujer con carácter que busca cambiar su pasado, todos los clichés argumentales que se solían encontrar en estas producciones. Pero con esto no estoy diciendo que sea un mal argumento, todo lo contrario, considero esta película todo un homenaje a todos esos filmes de John Ford, Anthony Mann o del propio Leone que tantos buenos ratos nos han hecho pasar.

Fotograma de la sensual escena protagonizada por
Claudia Cardinale y Henry Fonda

Técnicamente es una película brutal, entre otras cosas por los espectaculares planos de Leone que rompen todos los esquemas de este tipo de películas. Y cómo no, la gran calidad de fotografía con la que podemos apreciar cada pelo de la barba de estos vaqueros tan sucios y descuidados, la cual ya llegamos a apreciar en la Trilogía del dólar. Sin olvidarnos de la banda sonora de Ennio Morricone (luego hablaré de este inigualable genio) que no hace otra cosa si no ensalzar esta gran película.

Fotograma de la película

La banda sonora de esta película merece una mención aparte, porque como pasa con la mayoría de películas de Leone, la música es otro personaje más, el cual como si fuera un narrador nos introduce y explica la acción. Como curiosidad decir que la banda sonora para esta película se realizó antes de que se grabará la película, puesto que para el director ésta era algo muy importante. Llegando al punto de que el propio compositor Ennio Morricone ayudó en el montaje del filme.
Me quedo sin palabras para describir a Morricone, puesto que pienso que es uno de los más grandes compositores de BSO de la historia, y cualquier palabra que pudiera decir al respecto se quedaría corta. Si nos pusiéramos a examinar la filmografía de este grandísimo hombre tendríamos que hacer análisis de más de quinientas películas y series de televisión. Así que me tomo la concesión de nombrar alguna de ellas, que seguramente conoceréis. Entre las películas con BSO suya destacan: La música de toda la Trilogía del dólar y la de Once upon a time, Cinema Paradiso, La Misión, Los Intocables de Elliot Ness, Malena y un largo etcétera.
Seguramente después de leer esto estaréis pensando ¿y cuantos Óscars ha ganado Morricone? Pues sólo uno, y fue en 2007 en honor a toda una carrera inconmensurable. Una de las razones para ver esta película.

Fotografía de Ennio Morricone

Para terminar este articulo sólo comentar que es otra gran película que recomiendo ver fervientemente, sobretodo si eres de los míos y te gustan aquellas viejas películas de polvo y soledad.
Al igual que dijimos hace unos días de Ciudadano Kane, ésta es otra gran película que hay que ver antes de morir. Puesto que muchas de las películas actuales usan recursos y formas narrativas de producciones de antaño, y nosotros nos creemos que el cine se inventó hace dos días... ¡pues no! el cine es algo que ha ido evolucionando, y como buen arte se ha ido perfeccionando poco a poco. Además, estamos acostumbrados a ver películas con presupuestos que ya superan las ocho cifras, pero el cine se puede hacer con poco dinero, porque a veces no importa los efectos especiales o grandes alardes de técnica para hacer un buen filme. Sino el genio y la calidad que le demos a él.
Todo esto y más lo veremos la semana que viene con algunos ejemplos de películas de bajo coste que llegaron muy lejos.

Panorámica de la película

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NOTA: Aquí tenéis un link dónde ver la película.

Análisis diario: Cisne Negro

Cisne Negro (Black Swan) es una película estadounidense de suspense psicológico dirigida en 2010 por Darren Aronofsky (El luchador, de la que hablaré algún día y Noé, a estrenar en 2014). Está protagonizada por Natalie Portman (Star Wars, Thor), Vincent Cassel (Promesas del este) y Mila Kunis (Ted). La primera, ganadora del Óscar, el Globo de Oro y el premio de la Asociación de Críticos y Guionistas estadounidenses por su actuación en este filme. Además, el filme obtuvo nominaciones a los BAFTA, a los Globos de Oro y a los premios Óscars en la categoría de mejor película..

Cartel promocional de la película

Aronofsky concibió la premisa al conectar su visión de El lago de los Cisnes con un guión (Mark Heyman, Andres Heinz y John McLaughlin) trunco sobre actores reemplazantes y la noción de ser acechado por un doble. El director también consideró a Cisne Negro como una pieza compañera a su film anterior El luchador, con ambas cintas envueltas en logradas interpretaciones de los distintos tipos de arte. Portman y Kunis tuvieron entrenamiento de ballet durante meses. Figuras notables del mundo de la danza ayudaron a la producción a formar la presentación del ballet.

Natalie Portman en la película

Cisne Negro narra la historia de Nina (Portman), una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza. Nina vive con su madre, Erica (Barbara Hershey), una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy (Cassel) decide sustituir a la prima ballerina Beth Macintyre (Winona Ryder) en la nueva producción de la temporada, "El lago de los cisnes", Nina es su primera elección.
Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily (Kunis), que también ha impresionado gratamente a Leroy. "El lago de los cisnes" requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad. Nina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza destruirla.
Si queréis saber si Nina será capaz de representar al Cisne Negro sólo tenéis que ver esta gran película.

Después de esta pequeña presentación del filme, decir que Aronofsky se interesó en hacer una película sobre ballet en el año 2000, fue entonces cuando le propuso la idea a una Natalie Portman que se interesó de inmediato por el papel principal. Esta película ha cambiado la vida de la actriz, no solo porque ganó el Óscar sino también porque uno de los coreógrafos se convertiría más tarde en su marido. Recordar que recogió el premio embarazada. Un premio que fue criticado por su doble de cuerpo en la película, la bailarina Sarah Lane, ya que decía que el 95% de las escenas de baile eran de ella. Más tarde el director defendió a la actriz argumentando que en el montaje final se incluyeron entre el 80 y el 90 por ciento de ella y sólo los pasos más complicados eran de Sarah. La actuación de Portman no es la única a destacar, ya que el elenco en general está notable.

Fotograma de la película

La excelente fotografía de Matthew Libatique (Réquiem por un sueño) hace que cada escena encima del escenario te conmueva y temas lo que pase fuera de él. La BSO de Clint Mansell acompañada de las piezas musicales de Chaikovski complementan muy bien con toda la puesta en escena de la que hace gala Aronofsky una vez más. También hay mencionar el fantástico maquillaje que hace que sea un personaje más. Sin duda se trata de una película que sorprende en todos sus aspectos, te hipnotiza y te lleva a un lado oscuro que todos tenemos pero que nadie muestra.

La película tiene un ritmo vertiginoso en el que trata el amor madre-hija, las relaciones sexuales, la madurez personal y de fondo una de las obras más conocidas del ballet como es El lago de los cisnes. Una película grande que lo será más aún con el tiempo.

Fotograma de Cisne Negro

Espero que os haya gustado este gran análisis de Cisne Negro, y sólo recordaros que podéis seguirnos en Twitter para estar al tanto de todas las novedades del blog (@CinemaFactible).

NOTA: Si quieres ver la película pincha aquí